VANESSA WINSHIP

Impresionante, valiente y directa exposición de esta artista británica.

La exposición es realmente seductora. Existe un recorrido cronológico en las fotografías que nos transportan a la cruda realidad de distintos países que han sufrido las injusticias de sus dirigentes y los avatares de las guerras. Es un sufrimiento poetizado por la cámara, de tal modo que en las fotos sobrevive la belleza de la más auténtica cotidianeidad social que representa.

El viaje Albano-Kosovar muestra la tragedia del éxodo de los refugiados albanokosovares desde Serbia hacia los países vecinos. Las fotos arrancan sentimientos de lo injusto de las guerras y el destrozo que dejan en los más humildes ciudadanos, siempre castigados. Aún así, la música en las reuniones, la mirada de sorpresa de los niños, la sonrisa seductora de una muchacha, hacen ver que la gente sobrevive y mantiene viva su esperanza. Esta serie de fotografías (y la presentación en video que las acompaña) la artista la titula 'Imagined States and Desires. A Balkan Journey'

 Durante los siguientes años la artista recorre el hermano pobre del Mediterráneo, el Mar Negro. Vanessa recorre Turquía, Georgia, Rusia, Ucrania, Rumanía y Bulgaria, y nos muestra la vida de los habitantes que son bañados por el mar. Todo es cotidiano, sencillo y hermoso, desde los transportes públicos hasta los espigones que dan acceso al mar. Esta serie de fotografías se titula 'Black Sea: Between. Chronicle and Fiction'  

Las fotografías que más me han impresionado son las que nos cuentan la escolarización de las niñas (relativamente reciente, aunque parezca mentira) en la región del Este de Anatolia, frontera con Georgia, Armenia, Azerbaiján e Irán. Las niñas fotografiadas (vestidas de azul, aunque las fotografías sean en blanco y negro, tal como cuenta la leyenda) son la pura expresividad y la naturalidad de quien no tiene que forzar una postura, de quien queda presa por la fotógrafa en algo inusual en sus vidas. Pobres o ricos, cristianos o musulmanes, razas de cualquier color de piel, la mirada de los niños y niñas es igual en todas partes. 'Sweet Nothings: Schoolgirls of Eastern Anatolia (2007)' 

Retratos, historia, señas de identidad cultural es la serie de fotografías que realiza en Georgia, realmente impresionante. 'Georgia. Seeds Carried by the Wind'

Con la serie realizada en Estados Unidos, la artista recibe el prestigioso premio 'Henry Cartier-Bresson' de fotografía. En el país de los sueños la artista refleja lo cotidiano que tiene para muchas personas la frustración de dicho sueño.  Es muy interesante lo que cuenta de la familia que baila y que coincide con ella en transporte público, llegando incluso al mismo destino. Es la viva representación de la familia americana que rompe con la idea de sueño triunfador en el país de los sueños. Esta serie la titula 'she Dances on Jackson. United States (2011-2012)'

La exposición muestra también fotografías de su lugar de nacimiento que, según cuenta, nunca puede olvidar; junto al estuario del rio Humber. 

Para finalizar, Vanessa nos muestra sus fotografías más recientes (2014) hechas en Almería. Son fotografías de paisajes abiertos, del desierto de películas, de blancos campos de plásticos bañados por el sol, de luz en blanco y negro. Es difícil imaginar una Almería así; queda para muy poca gente con una sensibilidad especial y una visión del conjunto espectacular.   

Magnífica exposición. 

Vanessa Winship: Georgia

 Henri Cartier-Bresson (1908-2004)

Magnífica exposición de este artista francés.

El recorrido muestra la cronología artística del autor. Al principio aparecen sus primeros lienzos y sus dibujos, y su seducción por la composición,  el número áureo y los pitagóricos (supongo que esto influiría en sus encuadres fotográficos posteriores). En su primer periodo (joven) es cuando decide trabajar como fotógrafo y es el periodo más surrealista del autor, debido a la influencia y amistad de los artistas de esta corriente en él.

El segundo periodo (coincidente con la Guerra civil española y la II Guerra Mundial) nos muestra su compromiso político trabajando para la prensa comunista. También es, en este periodo, cuando tiene sus primeros acercamientos al cine.

El tercer período, en su madurez, lo dedica a viajar y al fotoreportaje, desde la creación de la cooperativa 'Magnum Photos', siendo el cofundador de la agencia Magnum . Es en este periodo donde destacan las mejores instantáneas del siglo XXI; en India (muerte de Gandhi), en China (Mao), en la URSS bajo el telón de acero, en la Cuba de Fidel Castro vencedor de la revolución y en todos los lugares en los que su  cámara  'Leica' fotografió la pobreza, la lucha obrera, y los primeros logros sindicalistas en Francia al obtener 15 días de vacaciones remuneradas por primera vez en la historia, etc.

Los últimos años del fotógrafo los dedicó a sus dibujos y pinturas, sin olvidar la fotografía, pero dedicando las instantáneas (más trabajadas) a un placer y deleite personal.

No sabría decir qué fotografía me ha gustado más de la exposición. La verdad es que todas son estupendas. Lo que si me ha llamado la atención es la vida que acompaña al artista, los lugares donde viaja y las personas que atrapa en su cámara. Me sorprende un joven y fornido Fidel Castro en portada de la revista 'Life' en la época de los años 60. El blanco y negro hace que todo parezca tan lejano en el tiempo, tan lejano a nuestros días, que no nos damos cuenta que apenas han pasado pocas décadas desde entonces y que es un pasado tan reciente que algunos de sus personajes siguen aún con vida. La creciente aceleración de nuestras vidas ha dejado muy en el pasado personajes y hechos que no están tan lejanos. 

Merece la pena disfrutar con tiempo de las fotos de Henri Cartier-Bresson.

Henry Cartier-Bresson

MITOS del POP

Richard Hamilton (1922-2011)

Seguimos con artIstas del Pop en este verano madrileño.

El museo Reina Sofía nos acerca a la obra de este artIsta londinense, en un fabuloso recorrido, con una puesta en escena maravillosa. Las salas del edificio Sabatini son amplias, bien iluminadas y acogedoras para disfrutar de la creatividad de este 'filosofo contemporáneo' del arte. Me seduce la idea que se recoge en uno de los videos que nos presentan, en relación a la reconstrucción que hizo en 1966 de 'El Gran Vidrio' de Marcel Duchamp,  en la que expresa que una obra de arte tiene una vida corta (no más de 50 años), y que muere al morir el artista.  

La exposición se puede recorrer temporalmente y así observar la evolución artística del autor. Hay catorce salas (zonas) que van recorriendo cronológicamente su obra y sus exposiciones a lo largo de su vida.

La zona 1 nos trae 'Segadoras' 'Crecimiento y forma' y Pinturas. En la zona 2 se puede ver el trabajo del 'Hombre, máquina y movimiento' y el 'Pop popular' (como él lo entendía). 'El Gran vidrio' y su relación con Marcel Duchamp (acompañado de un interesante video), 'Esto es mañana, 'Gente', 'Interiores', 'My Marilyn', 'Polaroids', 'Figurín de Moda', 'Retratos y autorretratos', 'Guggenheim de NY' , 'Productos' ,  'Mierda y flores', 'Imágenes de protesta' etc. son las siguientes zonas (salas) que repasan la obra de Hamilton.

Cada sala es muy impactante y podemos salir con un 'batiburrillo' visual y emocional importante. Lo interesante es dejarse sorprender por el primer impacto visual y por la reacción de nuestro cerebro. Un segundo recorrido nos puede acercar a las curiosas técnicas de elaboración del artista (siempre sorprendentes).

A diferencia de la exposición del Museo Thyssen, esta me ha llegado más a los sentidos.

Richard Hamilton (1922-2011)  

          El Gran vidrio, Marcel Duchamp

         Richard Hamilton. La detención de Jagger y Fraser. Litografía. 1967.

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MITOS del POP

Curiosa exposición del Pop Art que surge a mediados del siglo pasado.

Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o el Equipo Crónica están presentes en todas las salas y en todos los temas que se exponen: collage, publicidad, comics, mitos cinematográficos, retratos, naturalezas muertas, paisajes, erotismo, acontecimientos históricos y versiones del arte clásico.

Me llama la atención que todos los artistas se ponen de acuerdo en realizar sus obras en formato XXL, son lienzos enormes. Otra curiosidad es cómo en esta época cualquier objeto, por cotidiano que sea, se convierte en motivo artístico, como queda reflejado en las latas de sopa, la 'aburrida' coca-cola, los dibujos animados, los/as artistas cinematográficos de la época, etc.

Este arte es desenfadado. El primer cuadro de Warhol que inicia la exposición me encanta (Detalles de pinturas Renacentistas, Sandro Botticelli, Nacimiento de Venus, 1482), 1984. El recorrido por las salas me hace ver la transformación de actitudes y normas sociales que se imponen en esos años, pero los cuadros, pinturas y collages no me atrapan. Supongo que en el arte hay diferencia entre que 'algo' te guste o te atrape. En mi caso me gusta, pero no llega a atraparme, salvo algún lienzo de Lichtenstein ( 'Mujer en el baño'  y 'Muchacha con lágrima III')

Roy Lichtenstein  'Muchacha con lágrima III',  1977   Óleo y magna sobre lienzo   117 x 101,5 cm

Roy Lichtenstein   'Mujer en el baño' 1963  Óleo sobre lienzo 173,3 x 173,3
 

En cualquier caso es una exposición original, colorista y desenfadada, como el propio movimiento Pop Art.   

DARÍO de REGOYOS 

Magnífica exposición que nos ofrece el Museo Thyssen de este artista asturiano nacido en el siglo XIX.

Tengo que reconocer, humildemente, que apenas conocía la obra de este artista y me ha parecido magnífica. Regoyos reúne en su pintura las características que más me atraen en los cuadros, a saber: los paisajes de exteriores, la originalidad cromática y el juego de la luz y la sombra. Técnicamente sus pinceladas son rápidas y podemos disfrutar de obras puntillistas e impresionistas. Al igual que Cèzanne coincidió y fue amigo de Pissarro, quien influyó en su pintura impresionista, al igual que otros representantes de la escuela belga y francesa, como Seurat o Signac.

Pese a su prematura muerte, Regoyos viaja por toda España pintando escenas y paisajes cotidianos, fiestas, playas y montañas. Granada, Burgos, Paisajes castellanos y sobre todo el País Vasco, Cantabria y Barcelona, donde recaló poco antes de morir. Las pinturas de playa son hermosas, magníficamente iluminadas. Una de las cosas que me ha llamado la atención es que utiliza malvas y morados en los cielos de casi todos sus cuadros (lo cual me encanta). Tormentas, lluvias y otros fenómenos atmosféricos son reflejados en sus pinturas 'in situ', pintados en exteriores a pie de tormenta.

El tratamiento de la luz queda plasmado magníficamente. Hay un cuadro (quizás el que más me ha gustado) de la luna llena en una playa de Almería sencillamente impresionante. Pero trata de igual manera atardeceres, amaneceres o  la luz incidiendo a distintas horas del día sobre un mismo lugar, como los cuadros que pinta en la plaza de Burgos por la mañana y por la tarde.

Poco conocía de este artista y la sensación de su pintura ha sido magnífica. La exposición nos trae más de cien obras que merecen la pena disfrutar con tranquilidad. A buen seguro repetiré la visita para disfrutar nuevamente de sus obras.

Otro dato de este artista es que en 1888 recorrió España junto al poeta Èmile Verhaeren pintando y descubriendo sensaciones. De ese viaje, años después, nació el libro 'España Negra', recopilando las impresiones del poeta e ilustraciones del pintor; muchas de ellas de una España cruda y cruel en sus celebraciones, como se demuestran en sus cuadros, Victimas de la fiesta (1894) o Viernes Santo en Castilla (1904).

Darío de Regoyos, 'Mercado en Durango' (1907)      

Darío de Regoyos, 'La Concha, Nocturno' (1906)  

PONTORMO (Dibujos)

La exposición nos muestra setenta dibujos de este maestro del Cinquecento florentino (Jacopo Carruci, 1494-1556). Asimismo se acompañan nueve dibujos más de figuras tan destacadas como Durero, Rembrandt o Tiepolo.

Lápiz negro y sanguina son los materiales utilizados por este magnífico artista y dibujante discípulo, entre otros, de Leonardo da Vinci. Lo que más me ha impresionado de la exposición es como se refleja, en estos pequeños estudios del cuerpo humano y en su dibujo, la expresividad del ser humano. Parece increíble como en unos pequeños trazos con lápiz y sanguina veamos claramente el miedo, la soledad, la angustia o el éxtasis de sus personajes que sirvieron como modelo para grandes obras escultóricas o pictóricas, y que fueron un principio del posterior artista moderno.

Pontormo. Cuatro estudios para la Pala Pucci. Lápiz negro y Sanguina 

PABLO PICASSO (En el taller)

Picasso es Picasso. Habrá a quien le guste más o le guste menos, pero desde luego lo que si destaca es la originalidad de su pintura.

La exposición que nos muestra Mapfre está magníficamente presentada. Los cuadros se exponen en dos pisos en los que se presentan más de ochenta pinturas, otros tantos dibujos y grabados, piezas de cerámica dibujada por el autor, fotografías de sus talleres, e incluso una colección de paletas del autor de más de cincuenta años de antigüedad.

Los talleres son el mundo creativo de Picasso. La obra del autor pasa por más de una decena de ellos a lo largo de su vida y se convierten en el espacio de su creatividad y de su experimentación en el lenguaje de la pintura, desde el Boulevard de Clichy, en Monmartre, hasta Notre-Dame-de-Vie, en Mougins.

La exposición nos permite apreciar la evolución pictórica del autor. Sus primeros mundos cubistas y abstractos que van abriendo camino a un clasicismo mezclado con tintes cubistas y surrealistas. También es apreciable su cambio de estado de ánimo a raíz de la guerra civil española. De esta época surge el Guernica como obra emblemática de autor. Pasada la guerra Picasso se deja seducir por su musa y nueva compañera, Jacqueline Roque, en sus famosas series del 'PINTOR Y LA MODELO', pintando variaciones y experimentando con su creatividad, hasta su últimos cuadros en los que Picasso, al igual que otros tantos artistas como Degas, Manet, Delacroix...,  se presenta como un mirón ante el espectador, un 'voyeur' a quien le distingue esa observación de lo ajeno.

Pablo Picasso. Autorretrato con paleta 1906       

Pablo Picasso. El taller 1934

PAUL CÈZANNE

(site / non-site)

Las obras que nos muestra el museo Thyssen en esta ocasión, de Paul Cèzanne (y algún Pissarro, Gaugain etc...), son sencillamente impresionantes; pero qué voy a decir yo de uno de mis pintores favoritos.

La exposición es para verla con calma y para deleitarse con el color, con la maestría de las manchas y con las pinceladas que dan forma a sus cuadros. Pero estas no son tan definidas como las de sus amigos impresionistas (Pissarro entre ellos) sino que son diferentes, geométricamente diferentes. El subtitulo de la exposición nos acerca a sus hábitos de pintura; en el exterior, al aire libre;  y en el interior de un estudio (lo cual le separa de los artistas impresionistas contemporáneos de su época que huían de interiores).

El recorrido arranca con un solo cuadro (Retrato de un campesino 1905-1906) en la primera sala y pasa por las siguientes salas con temáticas diferentes de su periodo artístico. La curva del camino, Desnudos y árboles, El fantasma de Saint-Victoire y Juego de construcciones son los títulos de dichas salas. Podemos ver muchos paisajes exteriores pintados una y otra vez de manera repetitiva, pero cada uno diferente; y podemos descubrir cómo su obra va modificándose desde los tintes e influencias impresionistas hasta una geometría colorista en exteriores que será fuente de inspiración para el posterior cubismo. También se exponen muchos cuadros de estudio. Cuadros de bodegones frutales que también van empapándose de la transformación artística del pintor y de esa geometría colorista. Destacan, asimismo, sus acuarelas.   

Lo que más me llama la atención es la atracción de sus cuadros (supongo que será por la llamada del color). Al entrar en cualquier sala y observar panorámicamente sus lienzos, el color y la vida de cada uno de ellos me atrapa y me engancha con facilidad. Aunque en su época sus cuadros no gustaron y se consideraron 'difíciles' de interpretar (incluso fueron motivo de mofa en alguna exposición), a mi me parecen sencillamente hermosos por su tremenda sencillez.

 El camino del bosque. (1870-1871)

La montaña Sainte-Victoire vista desde Bellevue (Hacia 1885)

SEBASTIÁO SALGADO

GÉNESIS

! IMPRESIONANTE EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA ! para todos los públicos, en especial para los amantes de la Naturaleza y los paraísos perdidos. La exposición es sencillamente magnífica;  cada fotografía me traslada a los lugares más recónditos que pueda imaginar y a los paisajes más bellos que pueda encontrar, los cuales será difícil que yo alguna vez pueda visitar, pero que merece la pena conocer como aquellos lugares vírgenes, inocentes (como la mirada de los niños), salvajes y descontaminados de globalizaciones industriales.

Salgado recorre con su cámara La Antártida y el cono sur; los Santuarios (por él nombrados) de las Galápagos, Indonesia, Papuasia y Madagascar; el África salvaje y hermosa de Botswana, Congo, Ruanda, Uganda y los desiertos de Argelia y del Kalahari; las tierras del norte en Alaska, Canadá, Estados Unidos, Siberia y la península de Kamchatka; y la Amazonia más salvaje. Cada fotografía nos traslada al más puro estado natural, al más bello paisaje, a la supervivencia en estado puro, y a todas esas formas de vida, y de vivir, que pasan desapercibidas en la Sociedad actual a la cual yo pertenezco.      

Quizás la exposición no solamente sea un deleite para los sentidos, sino que además nos tiene que hacer pensar  si el ser humano está dispuesto a perder toda esa belleza, toda esa energía, toda esa esencia de nuestro Planeta a cambio de 'beneficios' con fecha de caducidad. Desde mi modesto punto de vista creo que mucho nos equivocaríamos si dejáramos perder, o destruyéramos, el alma de nuestro mundo.

La exposición hay que tomarla con calma, son más de doscientas fotos, y en cada una podemos quedarnos prendados de mil detalles que pueden pasar desapercibidos en una sola mirada. Me surge la duda de cómo sería la exposición si las fotografías fueran en color. La verdad es que pienso que sería absolutamente fantástica; pero a mí, personalmente, me transmite mucho más la fotografía en blanco y negro, y la luz que refleja me da pie a imaginar esos paraísos aplicando el color que yo quiera en mi imaginación. A cada uno de nosotros nos gustará de una u otra manera, a mi me parece que el blanco y negro da más fuerza a las fotos, y en muchas ocasiones transmite el silencio necesario para admirar la fuerza de la Naturaleza, la inmensidad de lo observado. En cualquier caso es una exposición que merece la pena disfrutar tranquilamente.

COLECCIÓN MASAVEU

La exposición se puede calificar como un pequeño trocito del Museo del Prado en Cibeles. A los amantes del arte Sacro no les dejará insatisfechos. Las salas están muy bien ambientadas, con paredes en colores mates, y muy buena iluminación, que permite disfrutar plenamente de las obras.

El recorrido comienza con tallas y pinturas en madera y oro, para pasar posteriormente al lienzo, grandes lienzos bellamente trabajados. Particularmente me han gustado los lienzos de Murillo por la genialidad de captar la expresividad de los rostros. También hay lienzos del Greco y Alonso Cano, entre otros muchos, que me han llamado la atención. Y, por supuesto, Las tentaciones de San Antonio Abad (Hieronymus Bosch, EL Bosco), que puedes contemplar un buen rato sin cansarte, e ir descubriendo nuevos detalles surrealistas con el paso del tiempo. Además es bastante fácil que nos arranque más de una sonrisa.   

Detalle de Las Tentaciones de San Antonio Abad (EL BOSCO)