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IMPRESIONISTAS Y MODERNOS

19.08.2016 18:19

Obras maestras de la Phillips Collection 

Magnífica exposición de obras pertenecientes a la Phillips Collection (60) muchas de las cuales prácticamente no habían viajado a Europa desde hacía muchos años. 
He de reconocer la gran visión de Duncan Phillips y su gran amor al arte al detectar el talento de muchos artistas y hacerse con muchos de sus cuadros otorgando por ello gran prestigio a su colección. 
La exposición está dividida en seis salas que recorren (en forma de rayos solares partiendo de un semicírculo central) obras de afamados artistas y la evolución de la pintura moderna desde el siglo XIX hasta la segunda mitad del siglo XX. (en la primera sala hay obras de pintura clásica)
En la exposición podemos encontrar obras de Gustave Coubert, Honoré Daumier, Paul Cézanne, Edgar Degas, Vincent van Gogh, George Braque, Juan Gris, Amadeo Modigliani, Henri Matisse o Picasso entre otros. 
 Muchos de estos cuadros yo solo los había visto en los libros y me han dejado impactado al verlos en vivo. 
 
La colección que han traído es magnífica y se puede ver con facilidad y sin agobios en un ambiente muy agradable. 
Desde luego es una exposición altamente recomendable que no hay que perderse.
 
Unos de los cuadros que más me han gustado son estos:
 
Henri Matisse 'Interior con cortina egipcia' (1948) 
 
 
Wassily Kandinsky 'Otoño II' (1912)
 
Pablo Picasso
 
 
Raoul Dufy
 
Oskar Kokoschka

Pintura italiana hacia la modernidad

27.03.2016 13:47

DIVISIONISMO Y FUTURISMO

Interesantísima exposición de los orígenes de la pintura italiana de finales del siglo XIX y principios del XX en su evolución hacia el arte moderno, reflejado en la corriente Divisionista y su evolución al Futurismo. 

La exposición arranca con los cuadros de pintores italianos pertenecientes al Divisionismo. Este movimiento pictórico, también llamado 'Cromoluminarismo', tiene sus bases en el 'Puntillismo' francés, aunque sus pinceladas le convierten en un movimiento autónomo. 

G. Segantini, detalle de 'Eitelkeit' (1897) 

Los primeros cuadros hacen referencia al tema de la Naturaleza, con cuadros alpinos en su mayoría. Impresiona la descomposición de la luz y del color sin alterar la temática del cuadro y se aprecia cierto simbolismo que se verá reflejado más adelante. Las pinturas de lagos y glaciares son impresionantes. 

A continuación se ven pinturas de uno de los principales temas del movimiento; la denuncia social de las clases más desfavorecidas en la nueva Italia unida tras los conflictos bélicos de la época. Me han gustado muchísimo dos cuadros que hablan de esto.

   

Ángelo Morbelli: "¡Por ochenta céntimos!" (1895).

Emilio Longoni, 'Reflexiones de un hambriento' (1893) Óleo sobre lienzo

La exposición continúa con una variante de pintores italianos dentro del Divisionismo que comienzan a hacer hincapié en temas simbolistas. G. Segantini, Giuseppe Pelliza y Ángelo Morbelli son algunos de ellos. La descomposición del color queda patente en el siguiente cuadro.

En otra de las salas se puede ver y leer el 'Manifiesto Futurista' que surgíó a continuación del movimiento Divisionista como un manifiesto transgresor y rompedor exaltando el progreso y la vida moderna como principal fuente de inspiración. (Una vez leído confieso que no estoy nada de acuerdo en muchos puntos de ese manifiesto).

Pintores como Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini y sobretodo Giacomo Balla son algunos de los representantes de este movimiento  futurista.

Gino Severini 'Danzante en la luz' (1913)

La exposición me ha parecido muy interesante. Reconozco que no había visto cuadros de estos movimientos italianos y muchos de ellos me han sorprendido gratamente. Merece la pena deleitarse con ellos. 

DIVINO Y HUMANO

07.03.2016 20:15

MARC CHAGALL

DIVINO Y HUMANO 

Interesantísima exposición que presenta la Fundación Canal sobre el gran artista del siglo XX, al que se le conoce también como el 'Picasso judío'. Marc Chagall es único e irrepetible. El universo creado por el artista, y que le acompañó toda su vida, es realmente fascinante, imaginativo y original. En París, donde vivió algunos años, el universo y la pintura de Chagall coinciden con los orígenes del arte moderno, cubismo, expresionismo, dadaísmo, futurismo, abstracción, etc. pero él nunca se unió a ningún movimiento y permaneció fiel a su universo pictórico. 

La exposición está dividida en varias salas con contenido propio. 

En una primera sala se muestran tres litografías representativas del autor y de su universo, destacando a mi gusto 'Paisaje azul', en donde destacan 'elementos' que le acompañaran en mucha de su obra. Los personajes levitando, los ramos de flores, los peces, son algunos de estos elementos.  

Marc Chagall 'Paisaje azul' Litografía a color, 1958

La sala dedicada a su universo creativo titulada 'Divino y humano' es la que más me ha gustado. Chagall no enfrenta el universo sagrado al profano, sino que se nutre de ambos para viajar del uno al otro y mezclar sus contenidos. Aunque provenía de una familia judía estricta en sus creencias, Chagall se desmarcó de la religión,en su universo, sin abandonar la importancia de lo sagrado. Sus referencias a la Biblia y a personajes bíblicos es abundante, pero esto está unido a la parte humana de dichos personajes (Moisés es uno de los más claros ejemplos al respecto) La pareja humana, el circo, los paisajes rusos de su infancia, su taller, son temas frecuentes en su obra, entremezclando la religión y el mito, lo sagrado y lo mundano. 

  

La visión de la crucifixión según Marc Chagall

Marc Chagall  'Los tres acróbatas'

Marc Chagall 'Plaza de la Concorde' Litografía a color 1960

Las dos últimas salas son obras que Chagall realizó por encargo. La primera se titula 'LA BIBLIA' y recoge ilustraciones del autor que entremezclan imágenes de tradición judaica y cristiana (incluso hay un desnudo femenino en una litografía que escandalizó en su época). En cierto modo hay una 'similitud' con los grabados de Goya en las diferentes escenas. Hay que saber que Chagall viajó a España y disfrutó de la pintura de Velázquez, Goya, etc, pudiendo dejarse influenciar por sus pinturas.

Las últimas litografías, en la sala abovedada de Canal, y que también fueron por encargo de Ambroise Vollard, hablan de 'LAS ALMAS MUERTAS'. Chagall elige esta novela de Nikolai Gógol sobre un funcionario que ha sido expulsado de su trabajo y decide vengarse defraudando al Estado, comprando y manipulando los censos de las personas rurales para quedarse con sus hipotecas. En los aguafuertes del autor expone con ironía y humor la sociedad rural rusa y al funcionariado corrupto, viciado y vicioso; siempre acompañado de sus temas preferidos, a saber, el circo y los paisajes rurales. 

 

Litografías de 'LAS ALMAS MUERTAS' 

 

MARC CHAGALL EN SU ESTUDIO

El Arte de la Luz

12.11.2015 18:12

SOROLLA

El Arte de la Luz 

Magnífica exposición del genial Sorolla. 
La exposición no tiene demasiados cuadros, pero los que hay reflejan de manera clara lo que los expositores han denominado 'El Arte de la Luz' .
El recorrido pasa por unos primeros lienzos que se ubican en una sala denominada 'Hacia la Luz'. Imagenes muy mediterraneas en la que la luz es la protagonista en las escenas pintadas al natural, en espacios libres, aunque también destacan algunos nocturnos. 
'Sombra y reflejo' es otra sala en la que hay pinturas del Alcazar sevillano y La Alhambra de Granada, en donde se percibe el dominio de las sombras y los reflejos en su pintura. 
 
Sorolla, 'La Alberca, Alcazar de Sevilla' 1910 Óleo sobre lienzo 82'5 x 105'5 cm .  
 
'La luz filtrada', la tercera sala, pertenece al periodo en el que Sorolla pintó en La Granja segoviana y en los pinares de Valsaín invitado por el rey Alfonso XIII. Estas pinturas se asemejan mucho a la pintura impresionista en la que las pinceladas correctas transmiten movimiento, reflejandose tanto en los niños jugando o en las hojas de los árboles o en el agua del rio. 'Saltando a la comba en la Granja' y  'El vado de la reina' son cuadros que pertenecen a esta época.
 
Sorolla, 'El vado de la reina' 1907, Óleo sobre lienzo 
 
'Resplandor' y 'El Arte de la Luz' son las dos últimas salas en las que, para mi gusto, los cuadros reflejan al Sorolla más maduro en su pintura, y en donde las pinceladas en el agua, en la ropa, en los contraluces, en las penumbras, en la arena, son realmente fascinantes y únicas. Sorolla está considerado uno de los mejores artistas (si no, el mejor) que ha pintado la luz de tal manera en sus cuadros que parece que esta luz emana de la propia pintura. Algo realmente maravilloso. Dos ejemplos son estos cuadros, uno de los cuales (La bata rosa) está considerado por el propio artista como de lo mejor que había hecho en su vida. 
 
 
Sorolla, 'La hora del baño' Valencia, 1909, Óleo sobre lienzo con imprimación ocre, 150 x 150'5 cm   
 
Sorolla, 'La bata rosa' Valencia 1916, Óleo sobre lienzo, 208 x 126'5 cm
 
Además de la exposición la visita a la Casa/Museo Sorolla merece la pena, ya que se puede ver la exposición permanente que acoje la casa entre otras muchas cosas. Además de muchos cuadros del artista, uno se puede perder en los detalles de la propia vivienda en donde hay multitud de objetos de la época que nos transportan al pasado, frescos del artista en diversas habitaciones, pinceles, paletas, ensayos y bocetos de cuadros, libros, muebles y un largo etcetera digno de verse. 
Para finalizar, un paseo por los jardines de su casa, en los que hay un Naranjo, nos hacen disfrutar de fuentes, azulejos, esculturas, blasones etc. Además, en los jardines, uno puede sentirse por unos momentos abstraido de la urbe de la ciudad (aunque la casa esté metida en pleno Madrid)  en un remanso de paz. La visita a la casa y a la exposición es muy recomendable, sobre todo si aún no conoceis este hermoso museo de tan excepcional artista. 
 
 
  

12.11.2015 17:44

KANDINSKY

Una retrospectiva 

Magnífica exposición de este artista ruso que nos presenta muchas de sus obras que conforman su trayectoria pictórica desde sus orígenes en el pos impresionismo y el expresionismo hasta el abstracto lirico y el abstracto geométrico que le caracteriza.

La exposición arranca con cuadros de sus orígenes en Múnich, donde fue a estudiar pintura a la edad de 30 años, sobre todo con técnicas impresionistas en tempera sobre cartones en muchas ocasiones. El colorido de sus paisajes tunecinos o de las casas bávaras es espectacular por ser colores puros y llamativos.

Vassily Kandinsky 'Casas en Múnich' 1908

En las siguientes salas comienza su transformación artística a raíz de editar, junto con Franz Marc 'De lo espiritual en el arte y el almanaque de EL JINETE AZUL' hasta que estalla la primera guerra mundial y regresa a Rusia a colaborar en la reorganización de la vida artística del país que acaba de ganar la Revolución. De esta época destaca su paso por el expresionismo.

Franz Marc 'Der Traum' Óleo sobre lienzo 1912 

Las siguientes salas abordan las obras de un Kandinsky abstracto lirico y geométrico en su paso por la Bauhaus (invitado por su fundador Walter Gropius) en la escuela de arte de la Weimar, en donde pasó mucho tiempo junto a otros grandes artistas, como Paul Klee, hasta que en 1933 los nazis cierran la institución y Kandinsky se retira a París hasta su muerte en 1944.  

Aunque yo no soy un entendido en arte abstracto y en sus rupturas de las formas, he de reconocer que la obra de Kandinsky me atrae de manera significativa por su colorido y, en mi modesta opinión, por su composición anárquica y caótica, pero integrada en un todo y por ello con un significado inteligible. 

Destacan todas sus obras, pero la que me mantiene 'enganchado' por su belleza es 'Amarillo, rojo, azul' 

Vassily Kandinsky 'Amarillo, rojo, azul' 1925

La obra de Kandinsky es sencillamente embriagadora y merece la pena deleitarse con un abstracto bonito que da pie a descubrir cientos de mundos. 

Me quedo, además, con una frase del autor publicada en 1911

'' La obra entera, la que se llama arte, no conoce pueblos ni fronteras, sino solo la humanidad''

                                                                      VASSILY KANDINSKY 

 

 

EDVARD MUNCH

18.10.2015 18:42

EDVARD MUNCH

'PINTO NO LO QUE VEO, SINO LO QUE VÍ'   Edvard Munch
 
Magnífica colección de obras de Edvard Munch que se exponen en el Museo Thyssen. 
 
En la exposición (que está compuesta de 80 obras) se puede apreciar una trayectoria bien definida de este artista noruego y su evolución desde el impresionismo al simbolismo, y de este al expresionismo, para hablar con su pintura de los temas 'filosóficos-existenciales' como son  la vida, el amor, el deseo, los celos, la ansiedad o la muerte. 
 
Las distintas salas van catalogando las obras del artista en los diversos temas que trata. En la primera sala, MELANCOLÍA, destacan sus óleos y grabados, y sus pinceladas ondulantes comienzan a tomar forma.
 
Edvard Munch 'Melancolía' 1892 Óleo sobre lienzo, 64x96 cm
 
Las salas en las que habla del PÁNICO y de la MUERTE muestran obras en las que se ven gruesos empastes y pinceladas en sus obras. Destaca un cuadro 'La niña enferma' y sus diferentes versiones, y las xilografías de la Ansiedad, el grito y el pánico. Según reza en la exposición a Munch no le costaba hablar de la enfermedad ni de los miedos sociales que van apareciendo en las grandes ciudades atestadas de gente, como la angustia, la incertidumbre, la ansiedad o el miedo. 'El grito'   es el cuadro más famoso de este artista que expone estos sentimientos, pero en la exposición no está el lienzo, aunque si una xilografía.
 
Otra sala interesante es la dedicada a la MUJER. Para Munch la mujer es representada en base a dos arquetipos diferentes, a saber, la mujer ideal, casta y delicada; y la mujer fatal, pecaminosa y amenazadora. (Pelirroja de ojos vedes según reza en la leyenda)
 
Edvard Munch 'El pecado' 1901  y 'Madonna' 1895/1902 Lápiz litográfico, tinta litográfica
 
En la sala dedicada al AMOR  ocurre algo parecido al tema anterior de la Mujer, ya que Munch presenta Xilografías con gubia y segueta y diversas versiones de 'El beso' , en las que la armonía de una  pareja besándose se contrapone con otros 'besos y abrazos' de la serie de pinturas dedicadas a la 'mujer vampiro' y su mordisco mortal.   (Por cierto, la mujer vampiro siempre pelirroja)
 
Edvard Munch 'Mujer vampiro en el bosque' 1924-1925 Óleo sobre lienzo 200x138 cm
Edvard Munch 'Vampiresa' 1893-1894 Óleo sobre lienzo 91x109 cm
 
La exposición continúa con la sala de los NOCTURNOS de Munch, en la que destaca los rostros (o más bien máscaras) de gente bajo noches estrelladas  o pinturas poéticas como 'la casa roja en la nieve'. Los cielos estrellados de Munch, me recuerdan a los de Van Gogh, salvando las diferencias. 
Edvard Munch 'Noche estrellada' 
 
Las dos últimas salas son las que más me han gustado. En la sala de VITALISMO se aprecia un cambio en la pintura que  se hace mucho más colorista, con colores primarios vivos y alegres.  Se ven cuadros de escenas campestres o de estaciones del año muy coloridas. También destaca la serie de niñas o mujeres en el puente y un gran lienzo de Adán y Eva.
 
 
Edvard Munch (detalle de:   'Las niñas en el puente', c. 1904 o 1933-1935. Óleo sobre lienzo, 80,5x69,3 cm)
 
La última sala de la exposición es la dedicada a los DESNUDOS, masculinos y femeninos. Para los expresionistas la expresión del sentimiento destaca sobre las formas,pero hay dos desnudos que para mi gusto aúnan la belleza del cuerpo y del sentimiento que expresan.
Estos lienzos son los que más me han gustado de toda la exposición
 
 
Edvard Munch 'Desnudo femenino llorando' 
Edvard Munch 'Desnudo femenino de rodillas' 1919, Óleo sobre lienzo 100'3x120'7 cm 
 

PIERRE BONNARD

10.10.2015 20:43

PIERRE BONNARD 

le nabi très japonard  (el nabi muy japonista)

Magnífica exposición de este pintor francés (desconocido para mí) que presenta la Fundación Mapfre. La pintura de Bonnard es difícil de clasificar. Junto a otros pintores fundaron en 1888 un grupo denominado 'los nabis' ('profetas' en hebreo) quienes, con las investigaciones de Gaugain, reflejaban sus pinturas en base a la exaltación del color y la simplificación de las formas. A Bonnard le apoderaron 'el nabi muy japonista' ya que encontró en la estampa japonesa su inspiración, la cual queda reflejada en los primeros cuadros de la exposición (incluido un precioso biombo pintado por el autor)

La exposición recorre su trayectoria y se sumerge en los cuadros intimistas que pintó (en donde el 'japonismo' sigue presente en las decoraciones de las paredes de sus cuadros). Sus desnudos (sobre todo los de su pareja Marthe de Mèligny) van tranformándose en explosiones de color; al igual que sus pinturas 'intimistas' de rincones de su casa.

Pierre Bonnard 'La siesta' 1908-1910 Óleo sobre lienzo

Pierre Bonnard 'Desnudo en la bañera' Óleo sobre lienzo'

La exposición continúa con retratos (de amigos y amantes). Destacan los de su cuñado, el músico,  Claude Terrasse.

  

Pierre Bonnard 'Claude Terrasse y dos de sus hijos'  1902-1903

Otra gran faceta de Bonnard fue la dedicada a las enormes (por tamaño)  pinturas que realizó como pintor decorativo y muralista para residencias de amigos y oras peticiones, algunos de los cuales pueden apreciarse en la planta primera de la exposición, junto a fotografias de la época (incluso de sus viajes por España), bocetos y acuarelas.  

Bonnard tuvo relación con Monet (en Normandía) y en los últimos años de su vida con Matisse, quien le visitaba asiduamente.

Uno de los cuadros de la exposición, que puede pasar más desapercibido, a mí es uno de los que más me ha gustado por la sencillez y los trazos del artista. ('La lectora de periodicos' ) ,

Pierre Bonnard 'La lectora de periódicos'  Óleo sobre lienzo

Descubrir, en mi caso por primera vez, a este artista ha merecido mucho la pena y su pintura me ha parecido fantástica.  

 

Kunstmuseum Basel

03.05.2015 18:43

KUNSTMUSEUM BASEL

El museo Reina Sofía nos presenta una selección de unas cien obras maestras del siglo XX. Estas obras provienen del Kunstmuseum Basel (museo público municipal de Historia del Arte) y pocas veces o nunca han estado en nuestro país. 
La exposición está dividida en dos plantas. En la planta primera del Edificio Sabatini se muestran obras contemporáneas. El conjunto de la exposición nos presenta obras de artistas como Pablo Picasso, George Braque, Juan Gris, Fernand Lèger, Le Corbusier, Ozenfant, Vassily Kandinsky, Piet Mondrian, Antoine Pevsner, Paul Klee, Max Ernst, Yves Tanguy, Alberto Giacometti, André Breton y Franz Kliene entre otros. 
Cubistas, expresionistas,dadaístas,surrealistas,abstractos están representados con obras maestras. Hay para todos los gustos y poco nuevo hay que decir de estos artistas que están representados, salvo disfrutar de su obra.
 
A mí, particularmente, me han llamado la atención estos cuadros:
Paul Klee. Senecio (Baldgreis), 1922. Óleo sobre cartón, 40.3 x 37.4 cm
 
 Edvard Munch

Vassily Kandinsky
 
Por supuesto no hay que dejar de subir a la cuarta planta del Edificio Sabatini para poder disfrutar de Van Gogh, Pissarro, Picasso, Monet, Manet, Cèzanne, Renoir, Gauguin etc. 
 
Os dejo una selección de algunos de ellos:
 
Pablo Picasso
 
Van Gogh
 
Paul Gauguin                                                                           Camille Pissarro 
 
Pierre-Auguste Renoir
 
 
 

El Canto del Cisne (Pintura académica)

22.03.2015 14:21

El canto del cisne

He salido de la exposición impresionado. La Fundación Mapfre nos muestra una serie de cuadros que se exponían en los salones de PARIS durante el siglo XIX. Son pinturas académicas que abordan los grandes temas cásicos, como la historia, la mitología, la religión, los mitos y los retratos. Los lienzos son enormes (de tamaño y de calidad) y no te dejan indiferente al mirarlos.
 
Pintores de la talla de Jean-León Gérôme, Alexandre Canabel, William Bouguereau o Alma-Tadema son fieles exponentes de este estilo de pintura. 
 
La exposición está dividida en temas: los cuadros clásicos de la antigüedad son magníficos (Alma-Tadema entre otros) y abordan escenas comunes como las peleas de gallos y los desnudos. El Nacimiento de Venus de A.Canabel es maravilloso, pero el que más me ha impresionado es el de una muchacha desnuda atrapada en la tela de una araña (un cuadro cuyo lienzo es redondo).
 
A continuación hay enormes lienzos dedicados a momentos históricos. De todos hay dos que me han llamado la atención por su espectacularidad: 'Herculano, 23 de Agosto del año 79'  de Héctor Leroux y 'Campaña de Francia de 1814' de Ernest Meissonier 
 
    Ernest Meissonier 'Campaña de Francia de 1814'  1864
 
Los retratos se pueden ver en la planta de abajo, retratos de la burguesía y de personajes famosos como Marcel Proust o Víctor Hugo. También destaca la nueva manera de pintar las escenas religiosas, ni mucho menos tan clásica como sus predecesores. Los temas elegidos hacen referencia al Antiguo Testamento en muchos casos.
 
La parte dedicada a los Orientalismos quizás sea la que más me ha gustado. De nuevo Canabel tiene cuadros maravillosos. También destaca Gustave Guillaumet.
 
Gustave Guillaumet 'El desierto' 1867 Óleo sobre lienzo
 
Los paisajes mitológicos, simbólicos o nocturnos son los siguientes cuadros de la exposición. Paisajes increíbles salidos de la imaginación de los pintores.
 
Más adelante se encuentran los cuadros dedicados a los mitos, entre los que destaca uno especialmente para mí. En realidad la escena pertenece a Dante y Virgilio, pero bien podía pasar en la actualidad por cualquier escena, película o libro de vampiros que tan de moda están.
 
William Bouguerau 'Dante y Virgilio' 1850
 
 
Henri Camille Danger
 
El final de la exposición nos cuenta como la pintura Académica dedicada a la pintura histórica cae en desuso, debido fundamentalmente a la llegada de la fotografía y del cinematográfico (principios del siglo XX), aunque sigue habiendo artistas que siguen trabajando y que abordarán con una nueva mirada la pintura Académica.
 
La exposición es realmente magnífica para disfrutar tranquilamente de estos cuadros y admirar lo bien que 'dibujan' muchos de ellos. Es para repetir más de una vez.

RAOUL DUFY

08.03.2015 19:37

RAOUL DUFY 

 El pintor de la 'luz-color'

Estupenda exposición de este artista normando que nos presenta el museo Thyssen.
 Raoul Dufy (Le Havre, Francia, 1877 - Folcarquier, Francia, 1953) 
 
En palabras del propio pintor:
 "Seguir la luz solar es perder el tiempo. La luz de la pintura es otra cosa muy distinta: es una luz de distribución, de composición, una luz-color" (Dufy)
 
Raoul Dufy 'Barcos y barcas' Martigues 1907-1908
 
Supongo que así hay que entender la pintura de este excepcional pintor 'fauvista' quien fue evolucionando del impresionismo hacia el fauvismo gracias a la influencia de Matisse y a la posibilidad de experimentar con la luz y el color. 
Nuevamente en sus propias palabras:
"Ante aquel cuadro (Lujo, calma y voluptuosidad, de Matisse) comprendí todas las nuevas razones que justificaban la pintura, y el realismo impresionista perdió para mí su encanto al contemplar el milagro de la imaginación en el dibujo y el color" (Dufy) 
 
Raoul Dufy: 'El campo de trigo' 1929 
 
La exposición muestra a través de las distintas salas la evolución del pintor francés desde sus primeros pasos impresionistas, a su periodo constructivo y su relación con cubistas como George Braque y Picasso, la influencia de Cezzane y Matisse y su estilo personal en su madurez. 
También se nos muestra su relación con otras artes plásticas en los grabados de madera, en las ilustraciones xilográficas que realizó para el 'Bestiario' de Guillaumme Apollinaire, en jarrones y jardineras de bonsais (cerámicas) y sus dibujos en telas que realizó en colaboraciones con el modista Paul Poiret y con la firma de textiles Bianchini-Fèrier.
    
    En el último periodo de su vida (pinturas en estudio debido a su enfermedad de poliartritis) el color se hace más oscuro y más intenso, destacando el negro (serie del 'Carguero Negro') y el rojo.
 
Desde mi punto de vista, la exposición es una maravillosa oportunidad de apreciar lo que los ojos de este artista son capaces de ver. Una oportunidad de ver el mundo de manera diferente, en donde el color y la luz, que nace de él, predominan sobre las formas. Un mundo imaginario lleno de matices de colores.  
 
 
.Raoul Dufy 'Naturaleza muerta con violin.  Homenaje a Bach' 1952
 
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